Una obra que nos recuerda que la historia se repite. Volver a la Francia del siglo XVII nos remite directamente a la Argentina de nuestros días. Esta versión satírica apela al público contemporáneo: nos reímos de aquello que presenciamos a diario. Una dramaturgia impecable y lúcida, actuaciones de lujo, vestuarios que nos generan la ilusión de estar en la época de Luis XIV y una iluminación hipnótica que no nos permite desviar la mirada de la escena.

Una obra que explora la lujuria a través de una puesta atravesada por el exceso, el absurdo y el deseo. Con actuaciones destacadas, la obra construye un universo tan cómico como incómodo.

Una perfecta adaptación cómica de la novela original. La dramaturgia de Kessler conjuga lo gótico con la cotidianidad y produce un humor muy divertido que disfrutan grandes y chicos. La iluminación, los vestuarios y la escenografía son de alto nivel y muy apreciables. En definitiva, la mezcla de actualidad con el pasado, sumado a las excelentes actuaciones, nos hace reír durante toda la función. Ideal para pasar un momento desopilante y de auténtico disfrute.

Medida de distancia es una obra profunda, tanto por la psicología de sus personajes como por la perspectiva desde la que está contada. La violencia de género es el eje central, pero la trama se sostiene por el humor negro, las acciones cotidianas y lo que no aparece en escena. La dramaturgia y las actuaciones son excelentes. Y quizás, nos propone un juego de palabras en su título: la distancia que debería existir entre Ema y Renzo, pero también, la distancia entre el espectad

La obra apuesta por recuperar, desde la ficción teatral, una subjetividad relegada por el relato histórico, privilegiando la intimidad por sobre la reconstrucción política de los hechos.

Como encendida es una obra para detenerse y contemplarla. Nina regresa al teatro donde se inició como actriz, pero ya todo son ruinas. Entonces, nos pone frente a una mirada melancólica que revisita el pasado para hacerse preguntas sobre sus propias decisiones. Todo ello se despliega mediante una serie de elementos simbólicos que permiten volver a mirar, mientras La gaviota de Chéjov aparece latente durante toda la función.

Una obra que nos lleva desde el humor a preguntarnos: ¿De qué nos reímos? Nos traslada hacia una incomodidad que nos hace ver aquello que tenemos naturalizado sobre las relaciones de pareja, los roles y la violencia de género.

Una obra muy divertida, que nos confronta con la actualidad de una manera cómica. La amistad como motor para continuar, para imaginar otros modos de superarnos y de reinventarnos, el amor de las amigas que todo lo puede y, cuando algo falla, basta con la mera presencia para sentir que nunca estamos solas: el impulso constante cuando todo parece perdido.

Yoklohsé habita el escenario y despliega una extrañeza tal que el sueño y la realidad se convierten en una pregunta para el espectador. La invitación para el público es que viva la experiencia y aporte su propia imaginación para asignar sentido a lo que ve en escena. Un personaje fuera de lo común al que se le asigna una misión por la que siempre y en todo momento en que se lo busque, estará cuidando un jardín de rosas para cuando hayamos llegado.

Una obra divertida y amena. El suspenso y el humor se conjugan para que deseemos ver más y conocer todos los pormenores de la historia de sus personajes. Entre risas y giros repentinos, la obra mantiene al público atento a cada nuevo secreto que se revela. Y, sobre todo, mantiene viva la pregunta que atraviesa toda la función: quién es Mariana y cuál es su rol en todo esto.

Difícil poner en palabras lo que es Instrucciones para vivir una vida. Si tuviera que elegir una palabra, sería “imponente”. Es danza, pero también articulación de texto, actuación, cuerpos de mujeres, luces, dispositivo escénico, vestuario: poesía en movimiento. El grupo “Recua” deleita nuevamente la escena santafesina con estas corporalidades y una poética de la imagen muy bien trabajada.

Una obra que nos invita a plantearnos más preguntas que respuestas. Construcción F-40 no ofrece consuelo, sino que deja que el espectador saque sus propias conclusiones ante la idea más fuerte: vivimos como si el tiempo fuera infinito.

Como el clericó de las fiestas de fin de año, la obra se presenta como una mezcolanza, donde convive lo diverso en armonía sobre el escenario.

La risa continúa funcionando como el motor central para exponer la fragilidad humana y el valor de tener una compañía, un otro que acompaña la vida y se presta para jugar.

Un ataúd cerrado, una corona de flores, unos asientos y un hombre de pie junto al cajón: así comienza Muerte en navidad. El espectador se encuentra con una sensación extraña al ingresar a la sala, pero con curiosidad de saber lo que sucederá allí.

Un simio oscuro conjuga una inmensidad de aristas que funcionan a la perfección en el escenario.

Una obra que no sólo piensa la pampa, sino que también nos enfrenta, como espectadores, a mirar nuestra propia manera de transitar el presente.

Se trata de un diálogo llevado a cabo entre una mujer un tanto (o bastante) extravagante y un hombre en una parada de colectivos. Todo transcurre en la espera, donde las palabras, que rozan el sinsentido y la incomunicación, terminan otorgando significación al amor.

Una puesta escénica donde los personajes actúan en presencia, pero la mayor parte del tiempo no se miran. La sinopsis versa: “las ausencias no significan, exactamente, que no haya presencias”. En la obra, ambas se conjugan y se llenan los huecos con nada más y nada menos que amor.