Esta puesta de teatro musical toma como contexto histórico la Gran Guerra, las migraciones hacia Argentina y el hambre. Pero estos problemas se acrecientan porque los personajes son artistas callejeros, con lo cual se muestra no sólo la situación social, sino también las problemáticas vividas por aquellas personas que se dedican al arte.

El escenario principal del Centro Cultural Provincial recibió la obra La distancia entre nosotros. Se trata de una adaptación teatral de la novela El mar que nos trajo de Griselda Gambaro, realizada como creación colectiva por los estudiantes de 3er año turno mañana y turno tarde del colegio San Ezequiel Moreno – Agustinos Recoletos.

La escriba es una apuesta por recuperar la voz de la mujer y el pasado colectivo que nos atraviesa en el presente. Vuelve poético el grito (históricamente silenciado) en la magnífica interpretación actoral y musical que lleva adelante Anahí Gadda sobre el escenario. La dramaturgia de Sandra Franzen convierte el paisaje litoraleño en la identidad de esa mujer: el río, los camalotes y la yarará hacen avanzar el relato. Construye un grito común que representa a una y a todas las

Última escena (como si fuera real) es el ensayo de una escena que ronda sobre una pregunta por el padre. Entre las risas de los espectadores, la obra bucea en los recuerdos personales y en cómo hacer teatro a partir de la propia historia. Vemos sobre el escenario el proceso mismo de la actuación: el actor conoce lo que el personaje aún no ha vivido. Y Viso y Kreig ensayan una y otra escena, pero hay una que siempre se demora.

Inventario de las cosas que nos faltan es una puesta increíble, de esas que quedan rondando en el pensamiento varios días después de haberla visto. En la conjunción extraordinaria entre dramaturgia, actuaciones, proyecciones visuales e iluminación, la obra nos permite abrir una serie de reflexiones sobre grandes temas: el rechazo, la culpa, el desarraigo; pero también el juicio, el deseo y el Otro. Focalizada en los cuerpos, la pieza de Arturo Castro Godoy construye un univer

Romeo & Juliet a love in pasta! es una hermosa fusión entre la tragedia de Shakespeare, la cocina y el humor. Mientras preparan una receta, Verónica Peteán y Pedro Peterson alternan entre chefs y personajes de Romeo y Julieta, convirtiendo ollas, cucharones, ingredientes y utensilios en parte de la historia. El cuerpo, la voz, los objetos y las acciones construyen un lenguaje teatral capaz de atravesar fronteras.

El acompañamiento encuentra en Eduardo Fessia y Roberto Francucci dos intérpretes precisos para poner en escena una historia sobre los sueños, la amistad y la dificultad de acompañar al otro cuando no sabemos si aquello que espera llegará alguna vez. Entre la ilusión de Tuco y las dudas de Sebastián, la obra construye una espera que termina preguntándonos qué significa realmente acompañar: permanecer al lado, intentar convencer sin imponer y, a veces, contenerse para no causa

La otra función oscila entre el show y lo otro, lo que no se muestra nunca, pero que es, en definitiva, lo que sostiene lo que ocurre sobre el escenario. Una propuesta de gran despliegue escénico, donde cuerpos, luces, proyecciones y telones se encuentran para transformar la escena y hacer visible aquello que suele quedar detrás. La precisión técnica, la potencia corporal y el profesionalismo de los bailarines sostienen cada uno de los momentos de la función.

El panteón de los Garramuño encuentra en el humor una manera de hablar de la muerte, de la familia y de esas preguntas que siguen acompañándonos incluso después del final. Con una dramaturgia que sostiene la intriga y un trabajo actoral preciso, corporal y lleno de matices, la puesta dirigida por Silvia Paredes convierte ese panteón frío y solitario en un espacio habitado por distintas generaciones, recuerdos, canciones y conflictos familiares.

En Sangre que devora, Lorca vuelve a Santa Fe para hablar del encierro, del deseo y la posibilidad de elegir. La reescritura de Dufour no se limita a actualizar La casa de Bernarda Alba: cruza personajes, invierte edades y pone en tensión los cuerpos con las paredes de la casa, que delimitan el adentro y el afuera. Una tragedia conocida que, en esta versión, encuentra otras formas de incomodarnos y conmovernos. Y ese final, que es el de siempre, me sorprendió: el público apla

Hamlet, bueno para nada apuesta a un nuevo personaje shakesperiano. Con menor solemnidad, convierte la tragedia en una experiencia ágil y profundamente cercana a los espectadores. Pablo Tibalt despliega una increíble versatilidad para encarnar a los múltiples personajes y, al mismo tiempo, jugar con su propia figura de actor, en un vínculo permanente con el público. La obra transita entre Shakespeare, el metateatro y el juego escénico hasta conducirnos hacia un final inimagin

El deseo de mamá nos invita a observar de cerca un hecho que muchos de nosotros conocemos a la perfección: una comida familiar a la que asisten esos parientes que solo vemos en estas ocasiones. El cumpleaños de la madre, cabeza de esta familia y dueña del dinero, convoca a sus hijos y a su nieto, pero la alegría dura poco en esta obra escrita y dirigida por Rodrigo Sabater, en co-dirección con Maximiliano Leffe. Se trata de una puesta de carácter realista que, sin embargo, in

La quietud de los huesos es una puesta en escena con una excelente conjunción entre dramaturgia, actuación y escenografía. La narración, mediante saltos temporales, nos invita a descubrir esa casa-cuerpo de la mujer que la habita en una eterna quietud temporal, espacial y corporal. Nos introduce en lo más profundo de los sentimientos y pensamientos de este personaje, con una sensibilidad que (me) conmueve demasiado. Una de las obras mejor logradas que he visto hasta el moment

Drácula, una mordida de alegría es una propuesta para disfrutar en familia: una versión cómica del clásico de Bram Stoker en la que el terror cede lugar al humor y la parodia, con una combinación de música, baile y enredos amorosos. Los personajes rompen con todo lo que esperamos de ellos en una puesta dinámica que convierte al temible conde en un vampiro torpe, vulnerable y decidido a enamorar.

Venecia nos divierte y nos conmueve a través de la risa. Pero no se queda en el mero disfrute, sino que nos invita también a pensar en algo más: nunca abandonar los sueños, en ningún momento de nuestras vidas. Al final de la función, entre los aplausos del público, Leffe recupera esa idea y nos anima a ser como la Gringa: a seguir soñando frente a cualquier adversidad. Viajar, conocer la patria del otro, aunque sea con los ojos cerrados. Confiar en quienes nos rodean y dejarn

Playlist, otra vez el amor construye una historia de amor hecha de canciones, imágenes y, sobre todo, cuerpos. Nosotros escuchamos la playlist que esos personajes escuchan y, a medida que las canciones se suceden, reconocemos en ellas algo que excede cada tema por separado: juntas narran una historia compartida. Incluso cuando están separados, sus cuerpos parecen continuar unidos por una misma memoria y producen movimientos que se responden a la distancia.

Segundo cielo nos invita a recorrer una ficción en la que realidad, teatro, memoria y tiempo se superponen hasta volver imposible distinguir con certeza en qué plano nos encontramos. Pero no estamos perdidos, sino que seguimos las huellas de una historia que se reescribe una y otra vez: de El jorobadito a la propia trayectoria de Pfeiffer, de los textos de otros a los propios, del pasado al presente y a ese tiempo-otro que la obra parece abrir más allá de la muerte.

Rojo Blanco encuentra, en medio del dolor, una forma delicada de hablar de aquello que parece imposible de retener. Una obra que no busca explicar la pérdida, sino volverla sensible. Una historia de amor atravesada por la ausencia, pero también por todo aquello que permanece cuando creemos que alguien ya se ha ido. Una puesta conmovedora que invita a entrar en ese tiempo suspendido donde despedirse no siempre significa desprenderse de aquello que continúa formando parte de no

Padre Pedro no ofrece respuestas tranquilizadoras. Entre la tensión y la risa incómoda, entre la culpa, la violencia y la necesidad de tomar una decisión, la obra obliga a preguntarse quién tiene derecho a juzgar, a castigar y, en última instancia, a decidir sobre la vida de los otros. Una puesta intensa, precisa y atrapante, que hace reír cuando quizás no deberíamos y que, cuando termina, nos deja con la sensación de que todavía hay algo que no terminamos de resolver.

El aviso desoído es una experiencia que se mira, se escucha y se siente. A través de dibujos, marionetas, música, sonidos de la naturaleza y una delicada manipulación escénica, se recuperan mitos, leyendas y formas de pensamiento ancestral para construir una poética que va más allá de lo meramente folklórico: una invitación a recuperar otras formas de percibir, conocer y configurar el mundo.