Venecia nos divierte y nos conmueve a través de la risa. Pero no se queda en el mero disfrute, sino que nos invita también a pensar en algo más: nunca abandonar los sueños, en ningún momento de nuestras vidas. Al final de la función, entre los aplausos del público, Leffe recupera esa idea y nos anima a ser como la Gringa: a seguir soñando frente a cualquier adversidad. Viajar, conocer la patria del otro, aunque sea con los ojos cerrados. Confiar en quienes nos rodean y dejarn

Playlist, otra vez el amor construye una historia de amor hecha de canciones, imágenes y, sobre todo, cuerpos. Nosotros escuchamos la playlist que esos personajes escuchan y, a medida que las canciones se suceden, reconocemos en ellas algo que excede cada tema por separado: juntas narran una historia compartida. Incluso cuando están separados, sus cuerpos parecen continuar unidos por una misma memoria y producen movimientos que se responden a la distancia.

Segundo cielo nos invita a recorrer una ficción en la que realidad, teatro, memoria y tiempo se superponen hasta volver imposible distinguir con certeza en qué plano nos encontramos. Pero no estamos perdidos, sino que seguimos las huellas de una historia que se reescribe una y otra vez: de El jorobadito a la propia trayectoria de Pfeiffer, de los textos de otros a los propios, del pasado al presente y a ese tiempo-otro que la obra parece abrir más allá de la muerte.

Rojo Blanco encuentra, en medio del dolor, una forma delicada de hablar de aquello que parece imposible de retener. Una obra que no busca explicar la pérdida, sino volverla sensible. Una historia de amor atravesada por la ausencia, pero también por todo aquello que permanece cuando creemos que alguien ya se ha ido. Una puesta conmovedora que invita a entrar en ese tiempo suspendido donde despedirse no siempre significa desprenderse de aquello que continúa formando parte de no

Padre Pedro no ofrece respuestas tranquilizadoras. Entre la tensión y la risa incómoda, entre la culpa, la violencia y la necesidad de tomar una decisión, la obra obliga a preguntarse quién tiene derecho a juzgar, a castigar y, en última instancia, a decidir sobre la vida de los otros. Una puesta intensa, precisa y atrapante, que hace reír cuando quizás no deberíamos y que, cuando termina, nos deja con la sensación de que todavía hay algo que no terminamos de resolver.

El aviso desoído es una experiencia que se mira, se escucha y se siente. A través de dibujos, marionetas, música, sonidos de la naturaleza y una delicada manipulación escénica, se recuperan mitos, leyendas y formas de pensamiento ancestral para construir una poética que va más allá de lo meramente folklórico: una invitación a recuperar otras formas de percibir, conocer y configurar el mundo.

La obra plantea una serie infinita de interrogantes. Con una dosis de realismo extremo, el texto la actuación y la puesta en escena nos colocan como espectadores frente a la tensión entre el deseo genuino y la necesidad de subsistir en el mercado laboral y ser parte de este mundo globalizado, atravesado por las tecnologías. ¿Cómo sobrevivir en un sistema que descarta? Una actriz, un perfil inventado y una tensión constante. Y una pregunta más: ¿qué puede hacer el teatro con

La adaptación teatral de Darío Giles recupera “Julito”, de Roberto Fontanarrosa, para darle una nueva vida sobre el escenario. A través de los cuerpos, las voces, el espacio, la iluminación y la relación con el público, la puesta explora el potencial teatral del cuento y transforma su pasaje a escena en experiencia.

El flautista de Hamelin convierte la narración oral en una experiencia teatral sensible. Personajes coloridos y cuidadosamente caracterizados dan vida a este relato tradicional mediante una combinación equilibrada de actuaciones, coreografías y proyecciones animadas. El resultado es un espectáculo que invita a reflexionar sobre el valor de la palabra sin renunciar a la ternura, el humor y el disfrute.

En la sala del Centro Cultural y Social “El Birri” se presentó Dolly y el hombre sombra, con dramaturgia y dirección de Sole Maglier. Las vacaciones de invierno convocaron a todos a asistir a esta obra que combina la infancia con el terror, en una puesta escénica muy llamativa, sostenida por un gran trabajo técnico. La historia comienza con Dolly, una niña que escribe su historia en un papel. Enseguida, esa narración cobra vida en el escenario y el personaje comienza a vivir

La obra construye una voz colectiva entre actrices, niños, niñas y adultos que invita a enfrentar aquello que asusta desde la imaginación, el humor y la participación. Porque los adultos también tenemos miedos, y el espectáculo no establece diferencias entre unos y otros: todos son convocados a jugar para atravesarlos.

Una obra sobre la amistad, el deseo de irse y el miedo a dejarlo todo, y aquello que permanece suspendido entre lo que se dice y lo que se calla. Con una dramaturgia sensible y dos interpretaciones extraordinarias, la puesta construye un realismo conmovedor que nos devuelve la intensidad de los vínculos y la incertidumbre de las decisiones que pueden cambiar una vida.

Una obra que nos recuerda que la historia se repite. Volver a la Francia del siglo XVII nos remite directamente a la Argentina de nuestros días. Esta versión satírica apela al público contemporáneo: nos reímos de aquello que presenciamos a diario. Una dramaturgia impecable y lúcida, actuaciones de lujo, vestuarios que nos generan la ilusión de estar en la época de Luis XIV y una iluminación hipnótica que no nos permite desviar la mirada de la escena.

Con teatro de objetos, máscaras y títeres, Angelo D'Agosta pone en tensión la experiencia individual y la historia colectiva. La obra invita a tomar contacto con lo diferente y captarlo en su diferencia: escuchar una lengua desconocida y reconocer, por un instante, el trasfondo de los procesos migratorios.

Una obra que explora la lujuria a través de una puesta atravesada por el exceso, el absurdo y el deseo. Con actuaciones destacadas, la obra construye un universo tan cómico como incómodo.

Una perfecta adaptación cómica de la novela original. La dramaturgia de Kessler conjuga lo gótico con la cotidianidad y produce un humor muy divertido que disfrutan grandes y chicos. La iluminación, los vestuarios y la escenografía son de alto nivel y muy apreciables. En definitiva, la mezcla de actualidad con el pasado, sumado a las excelentes actuaciones, nos hace reír durante toda la función. Ideal para pasar un momento desopilante y de auténtico disfrute.

Medida de distancia es una obra profunda, tanto por la psicología de sus personajes como por la perspectiva desde la que está contada. La violencia de género es el eje central, pero la trama se sostiene por el humor negro, las acciones cotidianas y lo que no aparece en escena. La dramaturgia y las actuaciones son excelentes. Y quizás, nos propone un juego de palabras en su título: la distancia que debería existir entre Ema y Renzo, pero también, la distancia entre el espectad

La obra apuesta por recuperar, desde la ficción teatral, una subjetividad relegada por el relato histórico, privilegiando la intimidad por sobre la reconstrucción política de los hechos.

Como encendida es una obra para detenerse y contemplarla. Nina regresa al teatro donde se inició como actriz, pero ya todo son ruinas. Entonces, nos pone frente a una mirada melancólica que revisita el pasado para hacerse preguntas sobre sus propias decisiones. Todo ello se despliega mediante una serie de elementos simbólicos que permiten volver a mirar, mientras La gaviota de Chéjov aparece latente durante toda la función.

Una obra que nos lleva desde el humor a preguntarnos: ¿De qué nos reímos? Nos traslada hacia una incomodidad que nos hace ver aquello que tenemos naturalizado sobre las relaciones de pareja, los roles y la violencia de género.