Una obra que nos recuerda que la historia se repite. Volver a la Francia del siglo XVII nos remite directamente a la Argentina de nuestros días. Esta versión satírica apela al público contemporáneo: nos reímos de aquello que presenciamos a diario. Una dramaturgia impecable y lúcida, actuaciones de lujo, vestuarios que nos generan la ilusión de estar en la época de Luis XIV y una iluminación hipnótica que no nos permite desviar la mirada de la escena.

Con teatro de objetos, máscaras y títeres, Angelo D'Agosta pone en tensión la experiencia individual y la historia colectiva. La obra invita a tomar contacto con lo diferente y captarlo en su diferencia: escuchar una lengua desconocida y reconocer, por un instante, el trasfondo de los procesos migratorios.

Una obra que explora la lujuria a través de una puesta atravesada por el exceso, el absurdo y el deseo. Con actuaciones destacadas, la obra construye un universo tan cómico como incómodo.

Una perfecta adaptación cómica de la novela original. La dramaturgia de Kessler conjuga lo gótico con la cotidianidad y produce un humor muy divertido que disfrutan grandes y chicos. La iluminación, los vestuarios y la escenografía son de alto nivel y muy apreciables. En definitiva, la mezcla de actualidad con el pasado, sumado a las excelentes actuaciones, nos hace reír durante toda la función. Ideal para pasar un momento desopilante y de auténtico disfrute.

Medida de distancia es una obra profunda, tanto por la psicología de sus personajes como por la perspectiva desde la que está contada. La violencia de género es el eje central, pero la trama se sostiene por el humor negro, las acciones cotidianas y lo que no aparece en escena. La dramaturgia y las actuaciones son excelentes. Y quizás, nos propone un juego de palabras en su título: la distancia que debería existir entre Ema y Renzo, pero también, la distancia entre el espectad

La obra apuesta por recuperar, desde la ficción teatral, una subjetividad relegada por el relato histórico, privilegiando la intimidad por sobre la reconstrucción política de los hechos.

Como encendida es una obra para detenerse y contemplarla. Nina regresa al teatro donde se inició como actriz, pero ya todo son ruinas. Entonces, nos pone frente a una mirada melancólica que revisita el pasado para hacerse preguntas sobre sus propias decisiones. Todo ello se despliega mediante una serie de elementos simbólicos que permiten volver a mirar, mientras La gaviota de Chéjov aparece latente durante toda la función.

Una obra que nos lleva desde el humor a preguntarnos: ¿De qué nos reímos? Nos traslada hacia una incomodidad que nos hace ver aquello que tenemos naturalizado sobre las relaciones de pareja, los roles y la violencia de género.

Una obra muy divertida, que nos confronta con la actualidad de una manera cómica. La amistad como motor para continuar, para imaginar otros modos de superarnos y de reinventarnos, el amor de las amigas que todo lo puede y, cuando algo falla, basta con la mera presencia para sentir que nunca estamos solas: el impulso constante cuando todo parece perdido.

Yoklohsé habita el escenario y despliega una extrañeza tal que el sueño y la realidad se convierten en una pregunta para el espectador. La invitación para el público es que viva la experiencia y aporte su propia imaginación para asignar sentido a lo que ve en escena. Un personaje fuera de lo común al que se le asigna una misión por la que siempre y en todo momento en que se lo busque, estará cuidando un jardín de rosas para cuando hayamos llegado.

La obra fue estrenada en el Festival TABA 2026, realizado en el Timbre 4. (A casi tres semanas de haberla visto, El amor continúa provocando emociones en mí). Antes de ingresar a la sala, Lali Álvarez Garriaga nos invita a presenciar un ritual. Desde ese momento, El amor adquiere una dimensión especial porque se nos anticipa que "esto no es ficción" y que abramos el corazón. Como todo ritual implica presencia, las luces permanecen encendidas durante toda la función y las a

Una obra divertida y amena. El suspenso y el humor se conjugan para que deseemos ver más y conocer todos los pormenores de la historia de sus personajes. Entre risas y giros repentinos, la obra mantiene al público atento a cada nuevo secreto que se revela. Y, sobre todo, mantiene viva la pregunta que atraviesa toda la función: quién es Mariana y cuál es su rol en todo esto.

Difícil poner en palabras lo que es Instrucciones para vivir una vida. Si tuviera que elegir una palabra, sería “imponente”. Es danza, pero también articulación de texto, actuación, cuerpos de mujeres, luces, dispositivo escénico, vestuario: poesía en movimiento. El grupo “Recua” deleita nuevamente la escena santafesina con estas corporalidades y una poética de la imagen muy bien trabajada.

Una obra que nos invita a plantearnos más preguntas que respuestas. Construcción F-40 no ofrece consuelo, sino que deja que el espectador saque sus propias conclusiones ante la idea más fuerte: vivimos como si el tiempo fuera infinito.

Así, El retrato punzó convierte una pintura en escena teatral que no sólo exhibe un retrato, sino un relato sobre la nación. Ahora el teatro propone una operación nueva: volver a mirar la imagen oficial, no para consagrarla ni fijar su sentido en términos de los federales, sino para abrirla y crear algo nuevo desde otro espacio y otro tiempo. En esa apertura, la Historia vuelve a ponerse en movimiento.

Poder, poder y más poder. Lejos de tratarse de un concepto abstracto, encarna los cuerpos. Una apuesta a develar el sinsentido perverso que subyace en esa lógica de amo-esclavo, o súbditos, que encuentra su extremo lavado de violencia: alumnos del poder que sueñan con aprender para ascender en la jerarquía. Una obra intensa que invita a leer el presente desde la ficción.

Algo en el aire pone sobre la mesa la lógica de propiedad que atraviesa tanto la tierra como los cuerpos. La obra retoma el imaginario de la pampa para indagar sobre una problemática que muchas veces está invisibilizada: el envenenamiento del aire y de la tierra, y el abuso hacia los cuerpos de las mujeres.

Como el clericó de las fiestas de fin de año, la obra se presenta como una mezcolanza, donde convive lo diverso en armonía sobre el escenario.

La risa continúa funcionando como el motor central para exponer la fragilidad humana y el valor de tener una compañía, un otro que acompaña la vida y se presta para jugar.

Una historia fragmentada y la necesidad de narrar para comprender la realidad.